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El arte de la primera década del siglo XXI

Las corrientes artísticas no surgen ni se entierran cada decenio. Los primeros años del siglo, tras el fin de las utopías, han puesto en cuestión incluso
La escultora colombiana Doris Salcedo ‘agrietó’ en el 2007 la sala de Turbinas de la Tate (Foto: Kim Manresa)

La década comenzó efervescente con una exaltación de ‘lo más’ y cierra con un cauto regreso de lo austero.

Las corrientes artísticas no surgen ni se entierran cada decenio. Los primeros años del siglo, tras el fin de las utopías, han puesto en cuestión incluso “lo nuevo” (Bajo sospecha, de Boris Groys, fue uno de los libros más leídos), sustituido por los conceptos de novedad reciclado de la moda y de lo más, lo más espectacular, lo más grande, lo más escandaloso, lo más exótico…

— Leer en www.lavanguardia.com/cultura/20091230/53856932111/la-vanguardia-analiza-el-arte-de-la-primera-decada-del-siglo-xxi.html

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Virgis

Virgis - Foretaste
Virgis – Foretaste

Virgis nació y se crió en una pequeña ciudad de Lituania bajo el régimen comunista. En este contexto de pobreza e hipocresía, Virgis comprendió desde muy temprana edad la importancia de tener valores morales y espirituales reales. La inteligencia, la cultura y las creencias constituyen una defensa contra el régimen. Su madre lo envió a la escuela de arte cuando tenía 12 años. Esta fue su primera experiencia con el arte. Allí descubrió la cultura y las artes de los países libres de Occidente: nació su vocación de artista. De manera natural decidió estudiar arte en la Universidad, y después de la graduación se convirtió en un maestro de arte en una escuela secundaria. El régimen de Gorbachov liberó algo a la sociedad y Virgis finalmente pudo entregarse a su creación. En los años 90, comenzó a ofrecer su trabajo en varias exposiciones locales. En ese momento, la obra de arte de Marc Chagall fue la inspiración de una gran mayoría de sus obras. La reunión con dos artistas franceses, Anne de Beaufort y Michèle Volsy, fue un hito en su vida artística, y Virgis instintivamente cambió la naturaleza de su obra y se dedicó a la pintura abstracta. Utiliza pintura de aceite sobre lienzo para expresar emociones y sentimientos: miedo, dolor, alegría o preocupación. Para Virgis, estos sentimientos son tan abstractos como reales que la vida. Hoy en día, artistas como Stanley F. Kline, Robert Motherwell, Pierre Soulages y Dubuffet son referencias de Virgis. Es profesor de pintura y arte gráfico en una escuela de arte en Lituania. Virgis encuentra inspiración en su entorno y lo que transmite. Su pintura es a veces dulce, a veces amarga. A través de su obra abstracta habla de la incertidumbre de la vida. El difícil contexto en que nació su vocación artística determina toda su obra y le da su fuerza y profundidad.

Galería Carré d’Artistes

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Francisco Jiménez Conesa

Francisco Jiménez Conesa - Glisando
Francisco Jiménez Conesa – Glisando

Francisco se siente de niño inconscientemente atraído por la creación al ver a su madre dibujar y pintar. De forma natural, entra en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Madrid. Se especializa en el dibujo y la pintura y asiste a clases de moldeado y escultura. Inicialmente, Francisco crea sus dibujos a lápiz pero poco a poco acaba utilizando la acuarela. Fue su tío quien lo inició en esta técnica y le enseñó las nociones básicas. En aquella época los temas de sus obras eran surrealistas y oníricos. Trabajaba minuciosamente con pluma el dibujo y luego le aplicaba color con acuarela. Paulatinamente, el color fue ganando importancia mientras que el dibujo perdía terreno. Hoy, trabaja únicamente con manchas y formas abstractas cada vez más libres.Cuando tenía unos 30 años, huyendo del ritmo de la capital en busca de tranquilidad, Francisco se instaló en una pequeña ciudad de la Sierra de Madrid. Con esta nueva vida, cambia también su manera de pintar. Los temas y la paleta cromática, más orgánicos y naturales, así como las texturas se asimilan a la tierra, las piedras y siluetas que encuentra en su entorno de vida. La niebla es, por ejemplo, una fuente constante de inspiración para Francisco. Siempre ha admirado la capacidad que tiene la niebla para dibujar los contornos, modelar nuevas formas o paliar la fuerza de ciertos colores. Francisco siempre utiliza la técnica mixta. Realiza una base con pintura acrílica y luego la combina con diferentes tipos de lápices, más o menos grasos en función de lo que le pide la obra. Los collages ocupan un lugar relevante y contribuyen a completar su trabajo aportando elementos de evocación de gran importancia. Al artista le divierte buscar el papel más adecuado y encontrar su lugar ideal en la obra. La pintura de Francisco es como su diario personal en el que expresa todos sus estados de ánimo: ilusiones, alegrías, penas, amores…

Galería Carré d’Artistes

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Pensamientos en un autobús

Línea C5 (Murcia)
Línea C5 (Murcia)

Voy en un autobús pensando en la teoría que ha de defender mi obra, en los prolegómenos a lo que hago, en cómo aunar práctica e investigación artística. Desde un punto de vista científico, la investigación en humanidades parece menor, relegada a un segundo plano, olvidada por los gurús del nuevo paranigma científico. Así pensaba yo hasta que entré en el Máster en Bellas Artes y comencé a investigar sobre la definición y los usos de la imagen (picture) en los tiempos de la web 2.0. Esa visión generalista de la imagen, donde no solo las fotografías, sino que toda expresión icónica es digna de tener en cuenta, me hizo replantear una trayectoria basada en las artes audiovisuales (fotografía, cine, televisión) derivada de mi carrera en Comunicación Audiovisual. Ahora se abre un camino ancho y fructuoso donde la imagen-picture toma un valor fundamental, se expresa y con furia invade nuestro modus vivendi en el siglo XXI.

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Las Tendencias en el arte del siglo XXI

Seguro que este siglo XXI será el mas productivo que ha vivido el hombre. Habrá tantas obras de arte que lo difícil será encontrar algo que no lo sea. Se difundirá tanto arte por todos los medios de comunicación que producirá adiciones nuevas. Será tan común que no existirá lugar donde no exista. En la primera década del 2000, se ha declarado la masificación artística global. No obstante, ¿habrá genios en este segundo milenio que logren generar revoluciones en el arte?
— Leer en hebearte.wordpress.com/2012/12/02/las-tendencias-en-el-arte-del-siglo-xxi/

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Cambios recientes

Hoy se produce un punto de inflexión que puede provocar una vuelta a la investigación. Podría ser un cambio de rumbo y una forma de conjugar práctica y teoría artística.

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Transecto: Lágrimas de sirena, 2016

Los microplásticos, también llamados «lágrimas de sirena», han invadido el agua de nuestros mares y, por consiguiente, la arena de nuestras playas. En 2004 se encontraron las primeras partículas en las aguas alrededor de Reino Unido. En 2006 fueron halladas en otras partes de Europa, de Sudamérica, de Oceanía y hasta en la Antártida. Según los científicos, hace una década existían más de 300.000 de estas partículas de plástico por cada kilómetro cuadrado de superficie marítima y, al menos, más de 100.000 por kilómetro cuadrado de playa.

Las «lágrimas» de sirena ya han entrado en la cadena alimenticia, como prueban los análisis realizados en el gusano de mar y la pulga de las algas. En el interior de los ejemplares de ambas especies se han encontrado partículas de plástico. Estos animales son la comida de otros más grandes, que a su vez alimentan a otros mayores, y que finalmente llega a los humanos. Los productos químicos que componen el plástico comienzan a pasar de esta manera a los animales y a las personas.

Esta producción artística denuncia lo que consideramos un desastre medioambiental. TRANSECTO pretende poner de relieve el problema de los plásticos en el mar eligiendo uno de sus síntomas: las «lágrimas de sirena». Para que la instalación abra paso a un diálogo entre la naturaleza y el arte salimos del estudio para dirigirnos al medio natural en busca de nuevos materiales. La premisa es que estén recogidos dentro del transecto sobre el que actuamos con una pequeña acción simbólica.

La intervención en el paisaje es mínima, sutil, inapreciable una vez retirados el agua, la arena y los microplásticos, manteniendo el compromiso de restablecer el equilibrio perdido, antes de la presencia de los microplásticos, haciendo del arte un medio para ensalzar lo natural como origen y reflejo de la vida. La huella ecológica también se minimiza al articular la obra sobre el concepto de reutilización; esta ha de ser siempre anterior al reciclaje, así que optamos por ella.

Aunque existen pocas pruebas que demuestren que los productos químicos de los plásticos están pasando a la naturaleza, y la industria subraya también que desde hace algunos años se están cambiando los ingredientes nocivos que contienen los plásticos, los científicos ya eran tajantes en 2006: existen «océanos» de «lágrimas de sirena» dispersos en la naturaleza y ya es muy tarde para hacer algo.

Los datos en 2016 ya no importan tanto como el hecho de que nuestras playas han sido invadidas, irremediablemente, por lágrimas de tristeza.

Ángel García Fernández
Transecto: lágrimas de sirena
2016

Instalación, medidas variables
Posidonia, agua de mar, arena de playa, vidrio y microplásticos

Vídeo
Color, sonido, 8’30’’

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Amor 2.0, 2015

La obra Amor 2.0 nace durante la investigación en torno al fenómeno postfotográfico. Ayudándonos de las nuevas tecnologías hemos creado un mosaico en el que cada una de las celdas se compone de una imagen relacionada con el concepto en su conjunto: el deseo sexual y la pornografía.

Pretendemos establecer una analogía del amor en los tiempos de las redes sociales, donde la identidad real de los usuarios es puesta en duda desde el momento en que el deseo y la búsqueda de la aceptación, la amistad y el amor se hacen virtuales. Esta construcción tiene su punto álgido cuando nos adentramos en el terreno virtual y comprobamos con qué frecuencia el amor se confunde con un deseo sexual cuyo modelo, por tanto, es construido a partir de una miríada de imágenes que reflejan el ideal de las relaciones íntimas interpersonales. Se trata de un compendio de meras fotografías, obras fotográficas y fotografías kleenex. La obra es una reflexión sobre el poder de las imágenes y su capacidad para prescribir nuevas realidades.

Las fotografías que componen el mosaico muestran diferentes perspectivas de la identidad sexual, desde el desnudo femenino, tan común en la historia del arte, pasando por desnudos masculinos y femeninos en todos sus niveles, diferentes expresiones del sexo y la pornografía más explícita, selfies o sexo amateur publicado por los usuarios de internet. Todo el material ha sido apropiado de plataformas como Twitter o Tumblr, pero también mediante el uso de buscadores en la red en general, donde la pornografía se extiende sin rubor y está accesible a todo el mundo y en todo momento, independientemente de su edad, sus creencias o sus prácticas religiosas. Hemos intentado que todas las formas del amor, tanto heterosexual como lésbico, gay, bisexual o transexual, además de todas las prácticas sexuales que actualmente se pueden encontrar en la web 2.0, queden reflejadas en la obra.

Proporciones: 150 x 90 cm / 14.764px x 8.858px / 250ppp
Retícula: 80 filas x 128 columnas
Fotografías: 12.240
Impresión: Plotter fotográfico, 300 g, Color
Aplicaciones: Mosaik, Mosamic, Bulkr, Adobe Photoshop
Plataformas de Apropiación: Twitter, Tumblr, Google Images, Flickr, Pinterest

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